E persino un incontentabile come Malcolm dovette a mezza bocca riconoscere i meriti di Lange: “Mutt conosceva la musica e lui curava gli aspetti commerciali mentre noi pensavamo ai riff ed in qualche modo riuscivamo ad incontrarci a metà strada, senza che sembrasse che stessimo facendo troppi compromessi con noi stessi. In realtà non abbiamo mai fatto un passo indietro su nulla. Eravamo un gruppo abbastanza difficile con cui lavorare per qualsiasi produttore.” (101).

 

Nella sua biografia degli AC/DC, L’Inferno Non E’ Così Male (2), Mick Wall riporta la testimonianza di uno dei tecnici del suono: “Angus era abituato a suonare in studio con i suoi quattro Marshall, ma Mutt voleva che lavorasse con un piccolo amplificatore appoggiato in un angolo. Gli faceva “siediti qui e io ti dico cosa suonare”. E Angus “Stai scherzando, vero?” Ma poi si sedeva accanto a Mutt, e Mutt non lo costringeva a fare le cose, era piuttosto un indicare la tastiera della chitarra, con una serie di “Ecco qui!” e “Rifallo” e “Così, continua!” e così via. Era per l’assolo di Highway To Hell, hai presente il primo, quello indimenticabile? Una splendida esplosione strumentale che inizia al minuto 2:12 per raggiungere l’apogeo 26 secondi dopo, quella nota squillante che tiene e su cui poi si arrampica… Fantastico! Tutte queste cose fecero sì che si conquistasse la loro attenzione, perché avevano capito che si stava facendo sul serio. Perché lui non costringeva nessuno, si limitava a dare suggerimenti, e di qualsiasi cosa si trattasse aveva ragione novantanove volte su cento. Non chiedeva loro di fare nulla che non fosse in grado di fare lui, né ha mai detto che in precedenza avevano fatto le cose in modo sbagliato, mai.  Li sospinse e li accompagnò con le buone alla meta, all’album finito”.

 

Difficile dire se sia dipeso dal tocco di Lange o se sia stata la naturale maturazione degli AC/DC, che erano andati crescendo di album in album, ma Highway To Hell è certamente uno dei migliori dischi mai prodotti dagli AC/DC (per chi scrive il migliore in assoluto, superiore anche al giustamente osannato Back In Black), aperto dalla trascinante title track, a proposito della quale il tecnico del missaggio, Tony Platt, disse: “Quel brano è semplicemente straordinario. La prima volta che ho alzato i fader su quella ho pensato: questa diventerà un classico! Allo stesso modo di All Right Now dei Free. Ovviamente i paragoni che si possono fare sono minimi, però aveva esattamente la stessa crudezza. Era talmente cruda che se ne sentiva il sapore.” (3)

 

Va anche registrato un giudizio più tiepido di Angus, rilasciato anni dopo, probabilmente teso a minimizzare l’importanza dell’intervento di Mutt Lange: “Non noto delle grandi differenze tra Highway To Hell e i dischi precedenti: è sempre la nostra musica. Highway To Hell è comunque un disco al quale siamo affezionati. E’ quello che ha decretato il nostro definitivo successo. Una cosa è chiara: non corriamo affatto il rischio di identificarci con quell’album. La gente ci apprezza come AC/DC, non come autori / esecutori di una canzone fortunata.” (7)

 

Ad esito di un ascolto attento e curioso di capire la portata dell’intervento di Lange, bisogna riconoscere che il sound degli AC/DC non è alterato, solo il suono è più tondo e, forse, più pulito di quello dei dischi precedenti; poi sarà un caso, ma il coro anthemico di Highway To Hell fa molto pensare alla formazione mainstream di Lange; e se due indizi fanno una prova, allora questa arriva con Walk All Over You, che  parte lentamente per poi distendersi nella consueta cavalcata chitarristica con magnifico assolo di Angus, ma anche con coretto in controcanto a Bon a tracciare la melodia.  Touch Too Much conferma l’altissima qualità del disco (forse solo Girl’s Got Rhythm è un pelo sotto, anche se Peter Frampton la mette tra le sue canzoni preferite e nella classifica compilata da Classic Rock delle loro prime 30 canzoni figura al quinto posto) con Bon sempre accompagnato dal controcanto delle altre voci e Angus che spara a mitraglia.  Vero, come scritto da Aldo Bagli nella sua recensione per il Ciao 2001 (6), che, sia nella scansione ritmica che nel canto di Bon, Beating Around The Bush è un calco di My Generation.  E la definitiva certezza dell’importanza della mano del produttore arriva con Shot Down In Flames: una canzone che in qualsiasi altro disco precedente sarebbe stata relegata al ruolo di anonimo riempitivo si carica di un suono tondo, profondo e potente. Molto bella.

 

La canzone che porta il titolo del precedente album dal vivo è ugualmente accattivante tra la sferragliante chitarra di Malcolm e un Bon che anche quando alza i toni della sua voce, contrariamente al passato, sembra in controllo.  A sentirlo oggi non può che salire il rimpianto per la sua imminente morte: sembrava in procinto di fare un ulteriore salto di qualità, chissà cosa avrebbe potuto ancora fare.  Ascoltate la sua voce diventare pura carta vetrata nella bellissima Night Prowler, un brano su cadenze blues che era stato scritto due anni prima, era stato inciso in modo ritenuto non soddisfacente varie volte, fino a quando, con Lange, esce la versione giusta.

 

Tuttavia, ed è il bello della musica come di qualsiasi arte, la critica musicale si è divisa tra gli entusiasti assoluti e gli scettici.  Alla prima categoria si iscrive il critico americano Charles M. Young: “Dopo cinque album con pochissime variazioni sul tema, hanno licenziato Vanda e Young e assunto Robert John “Mutt” Lange come produttore. Il risultato è stato il loro primo grande album, Highway To Hell. Le chitarre erano brutte, grasse e sporche, ma non approssimative. I riff, per la prima volta, avevano qualche buco. E Scott aveva alla fine imparato a controllare la sua straordinaria voce.” (36)

 

E come lui la pensa anche Mark Blake: “Dall’epoca della sua uscita, nell’estate del 1979, Highway To Hell è stato il brano e il disco di ingresso per generazioni di fan degli AC/DC. E’ stato il primo album degli AC/DC a proporre grandi canzoni e i loro grandi cori. E per quanto Back In Black sia un grande disco, senza Highway non ci sarebbero state Hell’s Bells e You Shook Me All Night Long.” (94).

 

Ma, per esempio, a Pierfrancesco Atzori che ne fece la recensione su Rockstar il disco non doveva essere molto piaciuto: “Un album non completamente convincente, specie se messo al confronto con il live precedente. Le idee non sono completamente a fuoco come in passato, mentre la ripetizione affiora tra le righe. Un disco di transizione, tutto sommato.” (27)  Bisogna considerare che allora gli AC/DC non erano ancora molto affermati in Italia e i giudizi espressi nei confronti dei gruppi che compaiono sulla scena sono spesso affrettatamente negativi: in casi simili mi chiedo spesso se, a distanza di anni, il giornalista sarebbe pronto a sottoscrivere il suo giudizio dell’epoca e mi rispondo che io stesso, nel tempo, ho mutato giudizio, talvolta anche radicalmente, su dischi o artisti che all’uscita non mi avevano convinto.  Ma questa è una divagazione, quindi torniamo ai nostri eroi.

 

Che il disco fosse buono lo dimostra anche la convinzione con la quale la Atlantic, che come abbiamo visto non era stata timida nel criticare le precedenti opere degli australiani, ne sostenne la promozione.  Per la verità, va messo agli atti che, forse per non perdere l’allenamento, la gloriosa casa discografica di New York cercò, inutilmente, di cambiarne il titolo, preoccupata che il gruppo potesse essere scambiato per una setta di satanisti.  Pubblicato alla fine di luglio 1979 in UK e una settimana dopo negli USA, Highway To Hell arrivò subito al no. 8 in classifica, mentre negli USA salì fino al 17 e vinse il primo disco di platino della loro carriera; lo ritirarono ad ottobre a New York, reduci da una nottata in cui avevano devastato un albergo a Columbus.

 

Al di là dei piazzamenti in classifica, l’autostrada per l’inferno è stato il vero punto di svolta della carriera degli AC/DC, rivelandosi piuttosto un’autostrada verso il successo.  Come diretta conseguenza della nuova dimensione seguì anche la separazione dal manager Michael Browning, sostituito dall’agenzia Leber Krebs, che aveva già in scuderia Ted Nugent e gli Aerosmith, tra gli altri. Anche i mezzi molto superiori dei nuovi manager contribuirono a far fare il salto di qualità al gruppo, che nella sua attività concertistica passò dai teatri alle grandi arene all’aperto, con tangibili benefici per il conto in banca.

 

 

1980 – Back In Black

 

Il 18 febbraio 1980 Bon Scott è a Londra e la sera va con un amico, Alistair Kinnear, alla presentazione di una nuova band al Camden Town.  Come di consueto beve senza freni e si addormenta profondamente nell’auto dell’amico che lo stava riportando a casa; Kinnear non riesce a spostarlo e decide di lasciarlo a dormire nella sua auto, contando sul fatto che, al risveglio, Bon avrebbe trovato la via di casa.  Lo ritroverà il pomeriggio dopo come lo aveva lasciato, ormai privo di vita.  Bon Scott aveva 33 anni.

 

Secondo l’autopsia la morte era sopravvenuta per intossicazione da alcol, ma autorevoli biografi, come Mick Wall (2) e Geoff Barton (94), ipotizzarono che Bon fosse stato vittima di un micidiale cocktail di alcol ed eroina; Barton mise anche in evidenza qualche incongruenza nella ricostruzione dei fatti (ma in casi come questo una certa dose di complottismo fa parte delle regole del gioco…) e negli anni persino l’esistenza stessa di Kinnear è stata messa in dubbio. Kinnear, che aveva fatto perdere le sue tracce, ricomparì poi nella primavera del 2005 dalla Spagna meridionale, dove si era trasferito (113).

 

La morte di Bon Scott, ennesima triste replica del mito del rocker dalla vita maledetta e breve, suscitò un’enorme impressione nel popolo dei fan degli AC/DC e, naturalmente colpì al cuore anche la band.  Bon era uno dei trascinatori del gruppo: Le numerose rievocazioni di chi ha avuto modo di conoscere Bon Scott da vicino sono unanimi nel sottolineare come Bon avesse un carattere molto cordiale e semplice, ricco di buoni sentimenti, anche se con una goliardica inclinazione per menare le mani e una più pericolosa, come si è purtroppo dimostrato, attrazione per alcol e droghe.

 

Molti i tributi che arrivarono dal mondo dell’hard rock: i Cheap Trick, in All Shooked Up, dedicarono alla tragedia un brano, Love Comes A Tumblin’ Down, e con gli Angel City incidono Highway To Hell; i Santers gli resero omaggio con una cover di Shot Down In Flame; i Trust gli dedicarono l’album Repression; i Girlschool aggiunsero al live act Live Wire; i Nantucket intitolarono il loro nuovo disco It’s A Long Way To The Top includendoci la cover della omonima canzone; Ozzy Osbourne e Randy Rhoads scrissero per lui Suicide Solution.

 

Bon venne cremato e le ceneri furono tumulate a Fremantle in Australia; nel 2005 la sua tomba è stata dichiarata dal National Trust of Australia località ad alto interesse culturale della nazione.

 

I fratelli Young erano fortemente in dubbio se considerare la lapide che aveva chiuso il sepolcro di Bon Scott come una pietra tombale anche sulla carriera degli AC/DC; “Eravamo così depressi, non facevamo altro che andarcene in giro in silenzio. Perchè non c’era niente. Niente.” (Malcolm a Classic Rock, agosto 2005, citato in (1)).  A posteriori hanno ricordato come una spinta decisiva alla decisione di proseguire venne dall’incoraggiamento in tal senso ricevuto, al funerale, dal papà di Bon.

 

Per reagire alla fase depressiva, gli AC/DC si chiusero in studio: “In pratica ci ritirammo nella nostra musica. All’epoca non pensavamo in modo molto lucido. Ma decidemmo che era meglio lavorare piuttosto che starsene lì seduti, ancora sotto choc per la morte di Bon. Così, in qualche modo, fu terapeutico.” (Angus a Classic Rock in (1)).  Ma naturalmente c’era da risolvere il problema più doloroso e difficile, la sostituzione di Bon, per la quale furono fatti innumerevoli provini: Gary Holton degli Heavy Metal Kids; Steve Burton; Jimmy Barnes dei Cold Chisel; Gary-Pickford Hopkins, già con i Wild Turkey; Steve Parsons dei Baker Gurvitz Army, poi negli Sharks di Andy Fraser.  Quelli che ci andarono più vicino furono Allan Fryer dei Fat Lip e Terry Wilson Slesser dei Back Street Crawler, ma per un motivo o per l’altro i fratelli Young non chiusero con loro.  Fryer si consolò costituendo un gruppo ispirato agli AC/DC, gli Heaven, con l’ex Mark Evans.

 

Come tutti i momenti topici delle grandi band, anche questo nel tempo è stato ammantato da un alone leggendario; lo raccontiamo così come tramandato.  Mentre lo psicodramma della ricerca del cantante per gli AC/DC era in pieno svolgimento, un fan americano del gruppo mandò al management degli AC/DC una cassetta che conteneva canzoni dei Geordie, un gruppo che aveva avuto una fuggevole notorietà a meta degli anni settanta, il cui cantante era un certo Brian Johnson (fonti più prosaiche ma forse attendibili sostengono che fu Mutt Lange ad insistere perché lo provassero).  Comunque sia Brian venne convocato a Londra per sostenere il provino al buio e fece anche qualche resistenza ad andare.

 

Brian Johnson era nato a Dunston, nei pressi di Newcastle Upon Tyne il 5 ottobre 1947 ed aveva abbondanza di sangue italiano, perché la mamma era di Frascati (di cognome faceva De Luca).  Con i Geordie aveva registrato due lp tra il ‘73 e il ’74. Con il loro primo album, Hope You Like It, nel 1973 avevano suscitato un certo interesse, e uno dei singoli, All Because Of You, era entrato nella top ten in UK; in quel periodo comparvero un paio di volte a Top Of The Pops, trasmissione tv che costituiva una sorta di consacrazione e, peraltro, uno dei loro concerti di quello stesso anno era stato aperto dai Fraternity, gruppo il cui vocalist era Bon Scott! (86). Il secondo disco (Don’t Be Fooled By The Name, 1974) era andato molto meno bene e l’anno dopo i Geordie si erano sciolti.

 

Quando lo chiamarono per il provino Brian non se la passava bene: viveva applicando tettucci di gomma alle auto. Sebbene fosse abbastanza disilluso dalla parabola con i Geordie, il cui modesto successo non aveva lasciato alcuna traccia, in quel periodo ne aveva ricostituito una seconda versione e faceva piccolo cabotaggio ma, quasi fosse una premonizione, i live act dei Geordie II si chiudevano con una cover di Whole Lotta Rosie. Anche quando comprese che l’audizione era per gli AC/DC non si illuse di potercela fare, essendo convinto che alla fine avrebbero scelto un cantante famoso, e quindi non fu sorpreso quando il NME annunciò che la band aveva scelto Allan Fryer...

 

Al contrario, la sintonia con gli altri componenti del gruppo era stata immediata durante la prova; anche se lo congedarono dicendogli che si riservavano di fargli sapere, avevano subito deciso che lui fosse il cantante giusto per sostituire Bon.  Quando, dopo il secondo provino, Malcolm lo chiamò per dirgli che lo volevano per la registrazione del disco alle Bahamas, la sua risposta fu: “Ascolta, facciamo così, io rimetto giù e tu richiami tra dieci minuti, tanto per essere sicuri che non sia uno scherzo.” (2)  Erano trascorse sei settimane dalla morte di Bon.

 

“Si adattò praticamente subito. Il punto è che volevamo trovare qualcuno che avesse una sua personalità, e lui è proprio un personaggio” dichiarò Malcolm (1), e Angus circostanziò ulteriormente la scelta, inaugurando quello che per alcuni anni a venire sarebbe stato il leit motiv di qualsiasi critico o appassionato che si occupasse degli AC/DC: il confronto tra Bon e Brian. “Bon aveva una voce unica e Brian ha uno stile tutto suo, ho dovuto adattare il mio modo di suonare, ma non di molto: lo stile è lo stesso, il “tiro” è lo stesso, solo certi particolari sono diversi. Se Bon fosse stato vivo avremmo fatto Back In Black allo stesso modo.  Era già stato scritto quasi per intero. Io e mio fratello stavamo lavorando su del materiale per l’album e Bon sarebbe dovuto venire una settimana dopo a provare i testi in studio. Ma è successo quello che tutti sanno, fu come se qualcuno avesse rubato la metà di me stesso. Il gruppo continuò perché se fosse stato lui a decidere avrebbe fatto lo stesso, perché gli AC/DC sono un gruppo unito e non una persona sola. Se fosse successo a me tutto sarebbe continuato allo stesso modo.” (Angus, 38)

 

Alla fine quello che per comune opinione è il capolavoro degli AC/DC fu registrato a partire da metà aprile del 1980 negli studi Compass Point di Nassau nelle Bahamas, di Chris Blackwell, proprietario della Island.  In quel periodo in studio c’erano anche gli Emerson, Lake & Palmer, impegnati nella produzione dell’assai meno indimenticabile Love Beach.

 

Brian Johnson era molto preoccupato di non essere all’altezza: “Dopo 5 giorni di prova a Londra mi ritrovai alle Bahamas.  E’ un posto solitario e decadente.  Mi sono trovato strappato dal mio universo proletario di Newcastle al sole umido della Bahamas e delle sue palme. Continuavo a ripetere a me stesso: ‘finiremo mai questa registrazione? Funzionerà? Già vedevo il gruppo che mi diceva ‘E’ stata una perdita di tempo, lo buttiamo nella spazzatura e proviamo con qualcun altro’” (19).  Peraltro, prendere il posto di Bon significava anche assumere il ruolo di autore dei testi e questo era persino più difficile che sostituire la voce di Bon, anche se bisogna riconoscere che le liriche degli AC/DC, tutte incentrate su doppi sensi a sfondo sessuale ed esaltazioni dell’energia, non erano certo letterariamente inarrivabili; il risultato non fu malaccio, anche se ci furono voci che, sulla base di vere e proprie analisi filologiche, sostennero che Brian avesse abbondantemente saccheggiato strofe che erano state scritte da Bon in vista della registrazione del disco, mentre altri, probabilmente più fondatamente, affermarono che alla redazione dei testi contribuirono un po’ tutti.

 

Secondo Charles Young non c’è da stupirsi riguardo alla continuità dei testi: “Sebbene Brian non cantasse affatto come Bon, i due arrivavano al rock con un approccio spirituale simile: emarginati della classe lavoratrice che non avevano alcuna voglia di cantare qualcosa che fosse più astratto di una malattia venerea. Mentre la maggior parte delle band affrontano i loro testi tirandoci dentro un mucchio di simboli altisonanti e lasciando all’ascoltatore di decidere il significato, gli AC/DC si esprimevano in modo molto più diretto, perché non avevano altro da dire.” (68).

 

A proposito dei testi del nuovo disco, c’è un divertente aneddoto secondo il quale, ad un giornalista che esprimeva la propria incredulità riguardo al fatto che avessero intitolato un brano “Give The Dog A Bone” (letteralmente “dai un osso al cane”, in realtà un intraducibile gioco di parole che invita a dare soddisfazione sessuale ad una ragazza di malaffare) Brian Johnson risponde “Ti prego, non spezzare il cuore a mia madre! A mia madre quella canzone piace perché dice che a nessuno importa più nulla dei cani. Mi ha detto: Brian, è così carino da parte tua cantare una canzone su questo argomento” (68)

 

Il disco è sicuramente bellissimo, carico di emozioni, rabbia e voglia di vivere come nessun altro album della band australiana; nel complesso, rispetto a Highway To Hell, il suono è tornato un po’ più grezzo, ma la qualità resta elevata.  Per ricordare in quale terreno affonda le sue radici, la iniziale Hells Bells, prende avvio con i rintocchi delle campane a morto; per la registrazione del disco provarono ad usare le campane di una chiesa delle Midland, ma la presenza di uccelli nel campanile impedì una registrazione e quindi dovettero aspettare la fusione di quella che sarebbe stata usata nel tour: pesava una tonnellata (scendeva sul palco all’inizio) se la erano fatta fondere apposta dalla Denison.  Nel brano, che ha cadenze un po’ doom, alla Black Sabbath, alle campane fa seguito il cantato di Brian ed è subito evidente che, anche se la voce è più acuta e più stridula, il suo stile è simile a quello di Bon.

 

Shoot To Thrill già lascia intendere quanto Brian si sia rapidamente integrato, la sua voce duetta benissimo con le chitarre e la canzone è molto fluida e bella; Let Me Put My Love Into You ha una cadenza da gruppo americano, con quella solennità hard che ricorda un po’ i Rush. Il secondo lato (perché all’epoca i dischi avevano due facciate...) si apre con la magnifica title track, un pezzo di una maturità e di una classe che gli australiani non hanno mai raggiunto né prima, né dopo (votata dalla rivista Total Guitar come l’ottavo miglior riff di chitarra di tutti i tempi).  You Shook Me All Night Long lascia spazio a delle aperture melodiche, soprattutto nell’uso dei cori, che ritorna simile in Rock’n’Roll Ain’t Noise Pollution, orgogliosa difesa della musica rock suscitata dal dibattito che era stato scatenato sulla stampa londinese riguardo all’inquinamento acustico generato dal Marquee Club nel quartiere.

 

Naturalmente le attenzioni sono tutte per il nuovo cantante: colpisce al primo impatto per essere un tono sopra quello che dovrebbe, ma poi procedendo con l’ascolto si amalgama bene con la musica. Alla fine regge il confronto con Bon, che forse era più potente, specie nella sua ultima prova, ma certo se tutti e due si mettessero a confronto con il comune modello, Robert Plant, si aprirebbe l’abisso…  Angus descrisse così le differenze tra Bon e Brian in un’intervista del 1985: “Bon aveva una vocalità acida naturale, la sua voce raspava come carta vetrata anche quando non cantava e per lui era naturale esibirsi con quei toni. Brian invece ha una voce più bella in senso classico, cioè con più bassi, corposa insomma, solo che ha dovuto adattarla al clichè sonoro del gruppo. Il suo è stato un grosso lavoro e ti garantisco che non è stato facile.” (45)

 

La critica musicale, che con gli AC/DC ha spesso mantenuto un tono altezzoso, questa volta non ha dubbi sulla qualità del disco, a cominciare da Charles Young che, su Musician (68), lo descrive come “il disco che ha ridefinito gli standard dell’hard rock per la decade successiva”.

 

E la sostanza non cambia per chi è meno lapidario.

 

Uno dei loro biografi, Murray Englehart: “L’album fu una rivelazione. Sembrava fragoroso anche se non veniva ascoltato ad alto volume e alzandolo al massimo era magnifico. Sembrava che le chitarre di Malcolm e Angus esplodessero dagli impianti. La sala macchine ritmica di Phil Rudd e Cliff Williams toglieva il fiato, e poi c’era la voce: sembrava che Brian fosse rimasto sepolto vivo per decenni e finalmente si fosse liberato.  Negli anni a venire, gli studi di registrazione di Nashville, la capitale mondiale del country, avrebbero usato Back In Black come mezzo per controllare l’acustica di una sala, mentre i Motorhead lo avrebbero usato per regolare il loro mostruoso impianto di amplificazione.” (3)

 

Barry Walters su Rolling Stone: “Provate a pensare che Mick Jagger o Bono o Axl Rose o Eddie Vedder muoiano e che i loro rispettivi gruppi decidano di sostituirli e fare un nuovo disco. Quante probabilità ci sarebbero che facessero non solo l’album più venduto della loro carriera, ma anche il migliore? Questo è lo scherzo che sono riusciti a combinare gli AC/DC con Back In Black (…) che ancora suona profondamente senza tempo, l’essenza di un hard rock di impenitente semplicità, ma di selvaggia fattura.” (15)

 

Classic Rock nel 2001 compilò la sua lista dei 100 migliori dischi di rock di tutti i tempi, piuttosto discutibile (come tutte le classifiche del genere, del resto…) con una forte matrice hard rock come nelle corde della rivista, e gli AC/DC piazzarono Highway To Hell al 61° posto e Back In Black al ben più prestigioso numero 4, con la seguente motivazione: “E’ una collezione di irresistibile rock’n’roll imbevuto di suggestioni allusive e libidinose. Affilato, di buon umore e senza un minuto di troppo, Back In Black era il suono di un gruppo in lutto che ha elaborato il dolore e l’angoscia con un’esibizione di spavalderia e brillantezza che senza dubbio avrebbe fatto spuntare un ghigno sul volto di Scott. E chi potrebbe chiedere di più?” (86)

 

In Italia non è che ancora li conoscessero tanto… Del resto il tour europeo toccò 24 nazioni, praticamente tutte, tranne l’Italia, dove si temeva per la sicurezza della band (!). Su Popster si accredita come vera la fake story che Angus avrebbe avuto 14 anni (12 meno di Malcolm) all’esordio (9); Manuel Insolera, su Ciao 2001, attribuisce la morte di Bon Scott ad un incidente automobilistico (11)...  Lo stesso Insolera, definì il disco come “di transizione” sostenendo che Brian Johnson si limitava a “fare il verso al defunto Bon”, e concluse la propria recensione affermando: “E se, come abbiamo detto, il clima resta piuttosto sullo standard, ciò non impedisce soprattutto a tre brani di emergere in maniera particolare. Si tratta dell’iniziale Hell’s Bells (un brano lento e un po’ sepolcrale, probabilmente dedicato alla memoria dell’amico scomparso) e poi di Shake A Leg e Back In Black, due piccoli monumenti hard, elettrici e martellanti come non mai, che avrebbero ben figurato tra i fuochi d’artificio del precedente Highway To Hell.” (11)

 

Solo due settimane dopo, sulla stessa rivista, corresse il tiro Aldo Bagli: “Ancora il nostro pubblico non ha scoperto del tutto quella che viene indicata come l’attuale migliore rock’n’roll band del mondo: gli AC/DC. Abbiamo detto rock’n’roll e non hard rock. (…) Gli AC/DC non appartengono a questo filone.  Il loro è il più classico dei rock’n’roll, costruito su ammiccamenti mid-time e su furibonde chitarre ritmiche. Proprio come i vecchi Stones. (…) Il nuovo cantante non fa assolutamente rimpiangere Bon Scott, il suo timbro, forse più cupo di quello del suo predecessore, ben si adatta allo stile del complesso. Back In Black: in tutto dieci pezzi. E tutti di un livello qualitativo davvero elevato.” (12)

 

Back In Black fu il disco della consacrazione e, forse anche per l’aura emozionale creata dalla scomparsa di Bon Scott, la lunga tournée in USA ed Europa segnò il sold out quasi ovunque e il disco vendette benissimo (salì fino al primo posto per due settimane in UK e diventò disco di platino in USA). A questo periodo risale l’ultimo concerto degli AC/DC come spalla: da allora in poi sarebbero stati sempre headliner (anche al Monsters of Rock di Castle Donington, agosto 1981).  Sebbene Brian se la cavi bene, non c’è dubbio che la presenza scenica sul palco ha perso un protagonista: Angus resta l’unica stella, Brian è molto meno di peso rispetto a Bon.  Ma lui se la godeva un mondo: “Il vantaggio più grande di far parte del gruppo è che posso entrare ai concerti senza neanche pagare il biglietto, e ho anche il miglior posto del locale.” (1)

 

Sull’onda del successo la Atlantic pubblicò negli USA (dove non era mai uscito) Dirty Deeds all’inizio del 1981. Anche questa ristampa salì fino al no. 3 delle classifiche USA, ma la mossa, compiuta per sfruttare il travolgente esito di Back In Black, era commercialmente discutibile, inflazionando il mercato in prossimità della successiva uscita di For Those About To Rock e, soprattutto, alimentando il mito di Bon Scott a scapito dello sforzo di imporre Brian come suo sostituto. La verità è che la Atlantic non credeva nelle capacità del gruppo di reggere il successo e, per questo, impostò una strategia mordi e fuggi.

 

Poco male per il gruppo, che invece aveva una fiducia incrollabile nelle proprie potenzialità, che già si era trasmessa all’ultimo arrivato, come testimonia questa dichiarazione di Brian: “La musica che facciamo andrà avanti per sempre. Non è hard, come alcuni si permettono di insinuare: è puro rock’n’roll. Siamo ragazzi normalissimi, ma sul palco diventa pazzia pura, ti dimentichi dei conti da pagare, della rata della moto, che hai litigato con i genitori; sei esattamente come i ragazzi in sala. La comunicativa è totale, i fans sanno che sono esattamente come te, potrebbero fare altrettanto bene. Non guardare Angus, Angus è un caso particolare, è autoreferenziale per natura, lui suona e basta. Angus è Angus. E se non si consuma lui suonando, non si consuma nessuno!” (Brian Johnson, 14)

 

Intanto Back In Black era arrivato a vendere 12 milioni di copie, nel 1997 sarebbero state 16 milioni, secondo album di hard rock più venduto della storia dopo IV dei Led Zeppelin, nel 2004 20 milioni, ad oggi oltre 50 milioni, secondo la RIAA secondo disco più venduto al mondo dopo Thriller di Michael Jackson.  Nella classifica di Rolling Stone dei 100 migliori dischi degli anni ’80 ha conquistato un prestigioso 26° posto (59).

 

1981 – For Those About To Rock

 

Per un artista partorire una grande opera è certamente difficile.  Ma la cosa più difficile in assoluto è realizzare l’opera successiva...

 

Gli AC/DC si accinsero all’ardua prova nell’estate del 1981, in parte a Londra e in parte a Parigi, per la terza volta con Mutt Lange.

 

Dieci anni dopo in un’intervista a Metal CD, Malcolm non dimostrò un grande entusiasmo per il risultato dei loro sforzi: “Ci è voluta una vita per fare quel disco, e si sente. E’ pieno di tanti piccoli pezzetti diversi, e non scorre bene come dovrebbe fare un album degli AC/DC. Ci sono alcuni buoni riff su quel disco, ma c’è una sola canzone che ci piaccia veramente ed è la title track. Quando finimmo l’album era già passato troppo tempo. Credo che alla fine nessuno, nè il produttore nè noi della band, potesse dire se suonava bene o male. Erano tutti stufi di quel disco.” (1, 101)

 

Lo stato d’animo di Malcolm probabilmente dipende dall’insofferenza verso il metodo di lavoro perfezionista di Lange, che comportava interminabili session alla ricerca del suono che lui poteva reputare perfetto: si racconta che entrati in sala i primi tre giorni fossero trascorsi provando il suono del rullante della batteria…

 

Di fatto, la band, e soprattutto Malcolm, faceva fatica ad elaborare il successo di Back In Black; molti fattori contribuirono a far salire la tensione: la intempestiva pubblicazione dei vecchi album da parte della Atlantic; le lungaggini di Lange in sala di registrazione; una mediocre prestazione all’importante festival di Donington nell’estate del 1981 (suonarono male, ma a loro parziale discolpa bisogna dire che poco prima del concerto, a causa della pioggia, saltarono i bassi dell’impianto di amplificazione, e dovettero farne a meno); la sensazione che il loro manager, Peter Mensch, fosse troppo occupato con altri artisti per curarli adeguatamente; non ultima, la sensazione che tutti coloro che gli giravano attorno guadagnassero troppi soldi alle loro spalle.  Risultato finale: dopo l’uscita dell’album Malcolm smantellò la squadra vincente, licenziando sia Lange che Mensch.

 

Peraltro, nonostante le cattive sensazioni, For Those About To Rock, uscito a novembre del 1981, negli USA tenne il primo posto nella classifica di Billboard per tre settimane e conquistò svariati dischi di platino in tutto il mondo prima che l’anno fosse finito, in poco più di un mese, per arrivare a 25 milioni di copie vendute entro il 1982.  Ma è vero che il disco, punteggiato dagli iconici colpi di cannone, mostra una grana più grossa rispetto ai due splendidi dischi precedenti, un suono più americano, meno profondo, sempre trascinante ma più dozzinale. Non tanto Let’s Get It Up che, fin dal titolo, evoca un suono più Rolling Stoniano, un rock’n’roll meno pesante del solito, ma già con Snowballed si percepisce il cambiamento di clima, il brano è buono ma segue i sentieri più classici dell’hard rock grezzo, con le chitarre lanciate a duecento e la voce di Brian che strepita stentorea, tanto alla fine si aspetta solamente l’assolo di Angus, che non delude mai. Buona l’apertura del secondo lato con la felice melodia del coro di Evil Walks e la sulfurea C.O.D., a proposito della quale ha raccontato Angus: “La gente pensa che C.O.D. significhi ‘cash on delivery’ (pagamento contrassegno); io sono stato a pensarci un po’ per tirare fuori qualcosa di meglio e alla fine me ne sono uscito con ‘care of the devil’.  Ma noi non siamo satanisti appassionati di magia nera o comunque li vogliate chiamare. Non bevo sangue; al massimo, di tanto in tanto, posso mettermi degli slip neri, ma niente di più.” (94) Breaking The Rules è un’altra concessione allo stile Alice Cooper, ma alla fine trova la sua strada e anche Night Of The Long Knives si appoggia sulla melodia del ritornello corale per vivacizzare un pezzo altrimenti abbastanza anonimo.

 

Anche secondo Mick Wall (2), For Those About To Rock si tiene a siderale distanza, dal punto di vista qualitativo, rispetto al precedente.  La qualità del suono è eccellente (e ci mancherebbe…) ma secondo lui lo stesso non si può dire della qualità della musica, fatta eccezione per la title track.

 

E in generale le reazioni della critica sono divise tra un’inerzia che porta ad esprimere giudizi positivi sulla spinta dei due magnifici dischi che hanno preceduto questo lavoro e qualche valutazione più accurata.

 

Tra queste ultime si distingue quella di Federico Ballanti, il quale su Ciao 2001 (21) coglie l’occasione dell’uscita del disco per fare un’analisi lucida ed approfondita sul sound degli AC/DC: “In effetti il gruppo dei fratelli Young suona il miglior hard rock’n’roll che sia possibile ascoltare oggi. Ben diversamente dalle truculente heavy metal band che oggi circolano in Inghilterra, gli AC/DC propongono una miscela musicale che si riallaccia idealmente, e praticamente, allo spirito musicale dei Rolling Stones e dei Led Zeppelin. (…) I tempi medi, caratteristici dei Rolling Stones e della batteria monolitica di Charlie Watts sono utilizzati senza sosta, in ogni brano, dagli AC/DC, che con Phil Rudd cercano evidentemente di riproporre lo stesso mito. La chitarra ritmica di Malcolm Young sfrutta questi mid-time con la stessa tecnica a riff aperti che usa Keith Richards, vero maestro nel comporre canzoni sempre diverse con gli stessi tre-quattro accordi. Malcolm Young è sulla stessa strada: i motivi degli AC/DC sono tutti simili, però tutti diversi e tutti memorizzabili facilmente per via della cantabilità che li distingue. (…) Le matrici dei Led Zeppelin sono invece evidenti se si pensa a due cose: il tono generale del suono e il lavoro tra voce e chitarra solista. Il suono degli AC/DC è freddo, metallico, scarno, proprio come quello dei primi album degli Zep. (…) La chitarra di Angus, spezzando il ritmo generale della canzone con le sue entrate e i suoi riff solistici, di solito nei controtempi, crea il presupposto per il duettare della voce: la stessa tecnica inventata dagli Zep. La voce più metallica di Brian Johnson (rispetto a Bon Scott) rende ancora più facile questo lavoro, e il nuovo album ne è una conferma.”

 

Iscritto alla categoria dei fan Sebastiano Zampa su Mucchio Selvaggio (22): “E’ l’amore sconfinato per il rock ad apparire come il denominatore comune in tutto l’album, sia che si manifesti nelle forme più energetiche di brani come Snowballed o Put The Finger On You, sia nei momenti più rilassanti di Breaking All The Rules o Spellbound. (…) For Those About To Rock è un’altra tappa nell’evoluzione del sound AC/DC, e testimonia l’instancabile volontà di chi, come questi cinque musicisti, suona il rock per divertire divertendosi, alla faccia di coloro che fanno musica solo per i molti zeri di un conto in Svizzera.”

 

Stefano Mannucci è un po’ meno convenzionale, ma non meno entusiasta, nella sua recensione su Rockstar (22b), dove, pur osservando che “certo, gli AC/DC non possono esentarsi da una sottile monotonia di fondo”, afferma: “Gli AC/DC sono in assoluto il miglior gruppo heavy disponibile sulla piazza. (…) Modernizzare l’hard rock non vuol dire amplificarne il volume e la velocità, ma piuttosto fornirgli dei significati. Prendete la voce di Brian Johnson, per esempio. E’ spesso e volentieri tesa sugli acuti ma non si concede mai l’urlo fine a sé stesso. E’ per questo che Brian (più ancora dello scomparso Bon Scott) ricorda positivamente l’impareggiabile Robert Plant, pur non possedendone il calore e la ricchezza di toni. Tuttavia è uno dei pochi heavy vocalist che interpreti quello che gli esce dalla bocca, e va plaudito per questo. Allo stesso modo Angus Young non è un Jimmy Page, né avrebbe potuto esserlo, vista la sua proverbiale parsimonia a concedere assoli. Però si adopera intelligentemente alla costruzione del suono, di un riff che sia godibile e non lacerante. Piuttosto che erigere inaccessibili muraglie armoniche che nessuno si sognerebbe di valicare. Angus si preoccupa di piazzare architravi, puntelli, tramezzi laddove ce n’è bisogno.”

 

Sulla stessa rivista appare più misurato il giudizio di Pierfrancesco Atzori: “Il disco ha venduto milioni di copie in tutto il mondo, ottenendo un successo strepitoso, ma sinceramente non convince più di tanto. E’ inutile nascondersi che con Back In Black il gruppo ha raggiunto il massimo per lo stile sin qui seguito.” (27)  E a distanza di qualche mese ci va giù piuttosto piatto Gianluca Bassi su Ciao 2001 (34): “Alcuni hanno interpretato la freschezza di Back In Black come la vivacità di un’improvvisa agonia. In effetti il successivo For Those About To Rock non ha convocato i medesimi aggettivi. Goffo, ripetitivo e perfino insulso. Tuttavia è anche la conferma di uno stile, e non è poco.”

 

Il tour che seguì il disco fu caratterizzato dalla presenza sul palco del cannone che campeggia sulla copertina dell’album; l’idea era venuta ad Angus vedendo in tv le nozze di Carlo e Diana, che furono celebrate nel luglio del 1981 e durante le quali, come da tradizione, vennero sparate diverse salve di cannone: “Volevo qualcosa di forte, di virile, di molto rock’n’roll. E cosa c’è di più virile di un cannone? Insomma, lo carichi e quello spara e distrugge tutto.” (2)  Inizialmente avevano due batterie da sei cannoni ciascuna che uscivano da grandi scatole nel finale e sparavano. O meglio, avrebbero dovuto sparare, perché spesso si inceppavano e, comunque, quando funzionavano, spargevano scintille su tutto il palco, mettendo a rischio l’incolumità della band.  Per questo ad un certo punto ripiegarono su due soli cannoni, più grossi ed efficienti, che comunque gli procurarono più di qualche noia: in un’occasione in cui fecero sparare i cannoni nonostante il divieto dei vigili del fuoco furono addirittura arrestati.

 

Nella recensione del loro concerto all’Hammersmith Odeon di Londra, Abbà su Ciao 2001 rilevò che gli AC/DC avevano offerto “un centinaio di minuti di puro, brillante, veloce heavy metal. Molto più pesante dal vivo che su vinile, gli AC/DC mantengono per tutto il concerto un livello carismatico individualissimo. (…) Se c’è una critica da muovere al gruppo, questo è lo schema ferreo con il quale il concerto progredisce. Bello e emozionante, certo. Ma esattamente uguale alle decine di altri concerti e tours, con linee uguali da anni. Ogni passo è misurato, specialmente quelli di Malcolm Young e Mark Evans, le cui avanzate in primo piano hanno la efficiente meccanicità di cose già eseguite centinaia di volte.” (26)

 

In Italia erano ormai diventati famosissimi, come registrò con qualche sorpresa la rivista Music: “nipoti degnissimi della vecchia guardia heavy, stanno incontrando nel belpaese una passione ed un culto che, anche a livello di riscontro di pubblico, non avevano avuto nemmeno i mitici Zeppelin o i Deep Purple. (…) Superati di slancio anche i Van Halen.” (20)

 

Tuttavia il tour europeo non toccò la penisola e i fan italiani dovettero accontentarsi del film Let There Be Rock, ripresa di un concerto al Pavillion di Parigi della fine del 1979, con ancora Bon Scott alla voce che andò nelle sale nella primavera del 1982: “Se i loro dischi si assomigliano molto, diverso è il discorso dei concerti nei quali Angus Young e compagnia hanno parecchie cartucce da sparare. In uno spettacolo degli AC/DC non c’è l’ammiccamento sessuale dei Rolling Stones, non c’è la profonda cultura rock di Bruce Springsteen e non c’è nemmeno il fatuo piacere edonistico dei Queen: c’è invece la voglia di scaricare tutta e subito la rabbia generazionale e la carica espressiva che anima la più alta mitologia rock.” (23)

 

In un cinema negli USA Let There Be Rock fu visto anche da un imberbe Dave Grohl (successivamente leader dei Foo Fighters) che ne riportò un’impressione vivissima: “Quando ero in quinta elementare, avevo dieci anni credo, io e il mio migliore amico andammo a vedere quel film, Let There Be Rock. Non ero mai stato ad un concerto rock e non avevo mai visto un film rock e quel cazzo di film mi cambiò la vita, accidenti.  Era la prima volta che provavo la sensazione di alzarmi e fingere di suonare una chitarra immaginaria e ammazzare la maestra, spaccare i sedili del cinema, di tutto.  Adrenalina assoluta.” (3)

 

Ormai erano delle star, nella lista dei migliori 100 album di hard rock della storia pubblicata da Kerrang, bibbia dell’heavy metal, trovarono posto sette dei primi nove dischi del gruppo. Nei referendum della stessa rivista fecero anche man bassa di titoli: miglior gruppo, miglior chitarrista, miglior bassista, miglior concerto dal vivo e miglior singolo.  Terzo posto per Brian, secondo per il batterista e… secondo anche per Angus come miglior pin-up maschile (ehm…). Anche nei referendum di Hit Parader e Best (Francia) risultarono la migliore band.  E coerentemente con il loro nuovo status si concessero il lusso di rifiutare un’offerta da un milione di dollari per aprire per gli Stones perché avevano deciso che non sarebbero mai più stati il gruppo spalla per nessuno.

 

Nel pieno dell’apoteosi è ancora Federico Ballanti, nell’agosto del 1982, a scolpire un ritratto del gruppo di grande equilibrio: “Gli AC/DC possono essere definiti degli ottimi ‘interpreti’ del genere, non dei creatori o degli innovatori. Bisogna dire che la band è forse quanto di meglio oggi esista in fatto di concerti rock, per energia, potenza, carica, qualità dei musicisti, esperienza e gioventù (fattore non disprezzabile nel rock’n’roll). Ma si potrebbero citare moltissimi brani, a cominciare dal loro pezzo forte ‘Riff Raff’ tratto di peso da ‘Rock’n’Roll’ dei Led Zeppelin, in cui i canguri sfacciatamente ripropongono suoni e interi riff dei gruppi del passato, dagli Zeppelin agli Stones. Il risultato qual è? Non conta forse poi tanto l’inventiva o la genialità (il rock’n’roll è talmente elementare nei suoi fondamenti tecnici che è impossibile, o quasi, non ripetere cose già fatte in vent’anni di storia) quanto la qualità dell’interpretazione: oggi gli AC/DC incarnano meglio di chiunque quello spirito del rock che ha a lungo stazionato sui palchi ad opera di Keith Richards, di Mick Jagger, di Jimmy Page, di Pete Townshend, di Ray Davies, ecc. ecc.; gli australiani hanno raccolto il testimone e, facendo tesoro del passato, danno vita ad una grande band rock’n’roll. Ma il loro stile è profondamente ancorato a schemi che non sono loro, e che si limitano ad interpretare con rinnovato vigore e una dose di personalità più spiccata di tanti altri.” (24)

 

1983 – Flick Of The Switch

 

Nonostante il successo, gli AC/DC erano coscienti della minore qualità del loro ultimo lavoro e fu Malcolm, capo indiscusso della band, che, anche approfittando del credito ormai illimitato aperto dalla Atlantic, di fatto accentrò qualsiasi decisione.  E in omaggio al nuovo corso autarchico (venato di paranoia) di Malcolm, decisero di produrre in proprio il nuovo disco: “Non voglio sentir parlare di produttori per un pezzo. E’ gente capace soltanto di dare ordini e confondere le idee.” (40)

 

Dopo qualche iniziale prova all’Isola di Man, tornarono a registrare ai Compass Studios delle Bahamas: “Lo volevamo grezzo. Il nostro sound è sempre stato grezzo, lo volevamo semplicemente libero da riverberi ed effetti. Ci piace avere un suono di batteria naturale, non questa gigantesca e continua eco dappertutto. Noi cerchiamo di mantenere tutto grezzo e diretto, registriamo sempre tutte le tracce strumentali insieme, le due chitarre, il basso e la batteria. E’ l’unico modo con il quale si può ottenere quel risultato, quel feeling.” (Angus a Guitar Player (1))

 

“All’interno del gruppo era opinione di tutti che Back In Black fosse l’apogeo di come avrebbero dovuto essere prodotti gli AC/DC. For Those About To Rock aveva una produzione un po’ troppo eccessiva, rispetto allo spirito della band. Con Flick Of The Switch c’era un sincero desiderio di tornare alle origini. Avete presente la versione di Johnny Winter di Mannish Boy di Muddy Waters? Dove gridano tutti in sottofondo? Sostanzialmente Malcolm aveva detto che voleva cercare di creare quella sensazione di essere in una stanza dove succedeva di tutto. In realtà non credo che funzionasse un granchè.” (Tony Platt, uno dei tecnici del suono dell’album, (3))

 

 

Durante la registrazione del disco Phil Rudd, il batterista, venne estromesso, principalmente a causa dei suoi problemi con la droga, che si erano aggravati, comunque dopo una lite con Malcolm (che all’epoca beveva pesantemente anche lui).  Nel disco compare comunque, ma secondo alcuni le parti di batteria furono completate da BJ Wilson, dei Procol Harum (anche se non è chiaro se i contributi di quest’ultimo furono utilizzati: secondo (2) BJ Wilson fu chiamato per un’audizione volta alla sostituzione di Rudd, ma arrivò troppo ubriaco per suonare e fu rimandato a casa).

 

Gli AC/DC furono soddisfatti del risultato dei loro sforzi: “Abbiamo finalmente creato un disco grezzo, cupo, senza inutili raffinatezze. Insomma, cercavamo qualcosa che fosse agli antipodi rispetto a quel tipico suono ‘all’americana’. Non ci piace perdere ore alla ricerca di chissà quale ispirazione. Basta inserire il jack nell’amplificatore e cominciare a suonare.” (40)

 

Ma la scelta di non affidarsi ad un produttore professionista, assai percepibile nella minore rotondità del suono, ha destato qualche perplessità nella critica, ben riassunta da Ben Mitchell (96): “Flick Of The Switch è il risultato di questa decisione. (…) Il disco sembra chiaramente messo insieme alla svelta e manca la cura artigianale kubrickiana di Mutt Lange. Il problema non è l’audio non amalgamato, perché un po’ di detriti non disturbano mai in una canzone degli AC/DC, il problema è che le canzoni non sono eccezionali. Il materiale svaria dal debole (Bedlam in Belgium, Nervous Shakedown) all’accettabile (Guns For Hire, la title track, Badlands) passando per il noioso (Rising Power, Deep In The Hole). (…) Un cambiamento rispetto a Lange non era necessariamente sbagliato, ma non avere un produttore forte che fosse in grado di assicurare che gli AC/DC ce la facessero era sicuramente un errore.”   

 

Se For Those About To Rock era stato un peccato di superbia, come se gli AC/DC, inebriati dal successo di Highway To Hell e Back In Black, si fossero convinti che qualsiasi cosa avessero fatto avrebbe avuto la stessa qualità. Flick Of The Switch è un disco di transizione.  Ci sono diverse cose buone, come l’eccellente lavoro delle chitarre su This House Is On Fire o la title track.  E’ suggestivo anche il riff di chitarra a scalare di Nervous Shakedown; bello l’attacco di Guns For Hire, che poi si sviluppa anche bene, mantenendo un bel ritmo tirato senza trascurare la melodia; Bedlam In Belgium è priva di guizzi, ma si lascia ascoltare grazie alla buona performance strumentale; ottimo il tappeto chitarristico di Badlands, sia in fase ritmica che nel bell’assolo. E tra le buone notizie anche la constatazione che la voce di Brian è decisamente meglio integrata nella musica, lui sembra sforzare meno e si amalgama bene con il resto del gruppo.  Ma nulla in questo disco è indimenticabile, ed infatti nessuno dei suoi brani è entrato a far parte dei classici del gruppo.

 

Come ormai tradizione la critica si divide tra gli irriducibili fan della band, per i quali è peccato mortale sollevare qualsiasi dubbio sulla qualità di qualsiasi cosa made by AC/DC e i non militanti, che, quasi per reazione, spesso mostrano i segni di un pregiudizio nei confronti degli australiani. Di seguito un florilegio tratto da recensioni dell’epoca o riflessioni successive sul disco.

 

Claudio Gentile su Tuttifrutti (31): “Questo disco è bello, bellissimo, ma forse è meglio se ce lo sentiamo. (…) E questo vi esorto a fare, mettete sul piatto questo 33 e abbiate il coraggio di impazzire, dimenticate tutto quanto potete dimenticare, imbracciate le vostre fender fantasma e dategli sotto.”

 

Neil Perry su Vox, nel 1994 (77): “Il controllo di qualità è andato a farsi benedire per questo disco, stanco e faticoso canto funebre con le urla stridule di Brian Johnson a rimpiazzare con delle grossolane allusioni le sardoniche storie di strada di Bon Scott” (Voto 2/10).

 

Pierfrancesco Atzori su Rockstar (32): “Un album che, al confronto con i predecessori, mostra in misura spietata limiti e assenza di novità. Le dieci canzoni si riducono, infatti, a stanche continuazioni di temi già sfruttati e non è difficile considerarle dei poveri scarti assemblati alla meno peggio per ovviare a problemi di scadenze contrattuali. Se rimane merito essenziale della band aver applicato alla cadenza heavy rock un tempo finalmente ballabile, non per questo si può giustificare la ripetizione della stessa formula all’infinito. Qui invece dall’inizio (Rising Power) alla fine (Brain Shake), è esattamente possibile sapere come si evolverà la canzone, quando entrerà il coro e così via.” (voto: **).

 

Sebastiano Zampa sul Mucchio Selvaggio (33): “Indubbiamente questo Flick Of The Switch (come del resto i precedenti lp) offre il fianco alle critiche di chi potrebbe tacciare il quintetto di cristallizzazione musicale e di mancanza di volontà nella ricerca di nuove soluzioni sonore; tuttavia, se è vero che il suono degli AC/DC non ha subito sostanziali mutamenti nell’arco dell’intera produzione vinilica, è anche innegabile che esso negli anni non ha mai mostrato cenni di stanchezza o di sterilità a livello compositivo, disgrazia che invece, alla lunga, sembra colpire la maggior parte delle hard-rock band più longeve, le quali troppo spesso tentano di nascondere la crisi di idee dietro il fragile schermo dell’innovazione. (…) I brani contenuti sono 10, tutti di ottimo livello, tra i quali spiccano i trascinanti Rising Power, Nervous Shakedown, Landside e Deep In The Hole”.

 

Gianluca Bassi su Ciao 2001 (34): “Il loro nuovo album valica la prevedibilità degli ultimi episodi sottolineando la personalissima concezione interlocutoria dei riff. Bedlam In Belgium, This House Is On Fire e Deep In The Hole sono strutturati proprio in questa maniera, una visione continuativa dell’inciso. (…) Questo nuovo disco, pur non esaltando le doti di Angus Young, ha abbastanza fiato per ossequiare l’industria spettacolare, assaggiare tonalità vagamente epiche nella solenne Guns For Hire e rinnovare quell’interlocuzione emotiva col pubblico che ha reso famoso Angus. Non sarà indimenticabile – l’arteriosclerosi ha subito soltanto delle gomitate – eppure si intravede ancora il diavolo. Benone.” (34)

 

Federico Ballanti, su Ciao 2001 (35): “Il massimo livello di energia e autoesaltazione. Questo è il nuovo album degli AC/DC. Il linguaggio del gruppo è sempre più schematico, geometrico. La sintassi scarna, eppure l’effetto è sempre più efficace.”

 

Infine, Mick Wall, nella sua biografia degli AC/DC (2): “Dal punto di vista dei testi si tratta dell’album più terra terra della band, a metà tra bravate scontate e tediose metafore sull’artiglieria: il divario tra Johnson e Scott non era mai stato così dolorosamente marcato. Il sarcasmo e la malizia di Bon avevano colorato i testi degli AC/DC con un che di magico e imprevedibile. I testi di Brian, invece, erano il riflesso del suo aspetto fisico, con quei grossi bicipiti e il berretto calato sugli occhi che suggerivano forza fisica e ottusità. Persino le sue metafore sembravano letterali. Certo è che non c’è un pezzo che sopravviva ad un ascolto ripetuto. Non solo non avevano raggiunto le vette dei tre precedenti lavori con Mutt, ma non c’era neanche niente all’altezza degli album che avevano forgiato la loro reputazione con Bon.”

 

Non c’è da stupirsi del fatto che la Atlantic non credesse troppo nel disco e, quindi, mettesse insieme una promozione piuttosto blanda. E non fu una sorpresa il poco successo riscosso da Flick Of The Switch, neanche per i membri della band, tanto che Malcolm ebbe a dichiarare: “L’abbiamo realizzato davvero in fretta, credo sia stata una reazione a For Those About To Rock. Pensammo solo ‘fanculo, ne abbiamo abbastanza di questa merda’. Nessuno era dell’umore per trascorrere un altro anno intero a lavorare su un disco, così decidemmo di produrcelo da soli e di assicurarci che fosse grezzo come solo gli AC/DC possono essere”.  Il disco vendette comunque 500.000 copie (disco di platino), ma a peggiorare l’umore di Malcolm il disco nello stesso periodo prodotto da Mutt Lange, Pyromania dei Def Leppard, vendette 10 milioni di copie...

 

La verità è che gli AC/DC erano sempre uguali a sé stessi, nel bene e nel male, con maggiore o minore qualità (nel caso degli ultimi due dischi sicuramente minore), ma fermi nella loro fedeltà al boogie, al rock’n’roll, all’hard rock, e con convinzione, come sostenne, a fronte della consueta accusa di essere ripetitivi, Brian Johnson: “Anche Strauss era ripetitivo con i suoi valzer… A noi non piace seguire le regole del gioco, facciamo poche interviste, decidiamo quando fare uscire i singoli facendo strappare i capelli alla casa discografica che ci vuole imporre determinate scadenze” (38).

 

Solo che intanto stavano cambiando i tempi, come ha riassunto magistralmente Ken Mc Intyre su Classic Rock (95): “Gli AC/DC erano, sono e resteranno per sempre un gruppo anni ’70 (…). Se gli anni ’70 fossero durati per sempre, dischi come Flick Of The Switch sarebbero stati ok. (…). Gli anni ottanta non sono iniziati nel 1980. Nessuno può dire con certezza quando sono scattati, ma sta di fatto che una mattina ci siamo svegliati in un mondo illuminato da un neon rosa, pieno di Boy George e sintetizzatori e cubi di Rubik, e non potevamo farci nulla. All’improvviso, tutto quello che sapevamo del rock era sbagliato. I jeans erano out, la new wave era in, il glam era diventato metal e il metal era diventato Metallica e nessuno voleva ascoltare delle stronzate vecchio stile rock’n’roll suonate da musicisti dai capelli lunghi, vestiti di jeans e senza trucco. Il che era una grossa disdetta, perché gli AC/DC in realtà non erano in grado di suonare niente di diverso.”

 

A proposito di membri della band, gli australiani dovevano risolvere il problema del batterista dopo la giubilazione di Phil Rudd e, al loro ritorno in Inghilterra, lo fecero pubblicando un annuncio anonimo su Sounds: “Cercasi batterista heavy rock. Se non picchiate forte non rispondete”. Con questo sistema selezionarono un ventenne britannico, Simon Wright (nato a Alden, vicino Manchester, il 19 giugno 1963), che aveva suonato nei Titan e negli A to Z.  Lui cavallerescamente, rese omaggio a Phil Rudd: “Si è scavato una sua nicchia. Era così mirato. Così solido e pesante. In alcuni momenti era difficile credere quanto fosse misurato. Questo condizionò il mio modo di suonare: se avessi cominciato a riempire dove Phil ometteva di farlo sarebbe sembrato proprio sciocco, visto che il modo di suonare di Phil è parte integrante del loro sound. E io ho avuto il buon senso di capire subito che se avessi cominciato a strafare, non avrebbe funzionato. Può essere un modo di suonare difficile, stancante; può sembrare semplice ma non lo è. Perché tu vorresti lasciarti andare, scatenarti, ma ti devi frenare. Devi conferire il giusto swing a quei pezzi.” (2)

 

Lo circondava un certo scetticismo… Su Ciao 2001, a settembre, Piergiorgio Brunelli, riassumendo il momento no della band, scrisse: “Il loro tour americano è stato un fallimento e grossa è stata la delusione per Simon Wright, il nuovo venuto alla batteria, che in primavera è stato visto più volte affogare le amarezze in una pinta di birra in qualche club londinese.” (38)

 

1984 – ’74 Jailbreak

 

La crisi che si era abbattuta sugli AC/DC proprio nel momento di massimo successo era del tutto inaspettata ed il gruppo faticava a farvi fronte.  La consueta tournee americana seguita alla pubblicazione di Flick Of The Switch dette esiti mediocri, coerenti con quelli dell’album, e Malcolm, adottando l’approccio di quei presidenti di squadre di calcio che quando le cose vanno male  licenziano l’allenatore, dette il benservito al manager Ian Jeffery sostituendolo con Crisping Dye, ex-dirigente della Albert.

 

Come riempitivo, per una sorta di horror vacui, viene dato alle stampe ad ottobre del 1984 ’74 Jailbreak, un minialbum con cinque canzoni già uscite in Australia dieci anni prima, ma mai nel resto del mondo.

 

In realtà l’anno trascorse probabilmente in riflessioni, delle quali qualche traccia si trova in un’intervista a Musician (37) nella quale ripeterono varie volte l’espressione: “non ha niente a che fare con il rock’n’roll” per stroncare i Kiss, o i Van Halen o tutto quello che non gli piaceva e si difesero orgogliosamente dalla ricorrente accusa di essere dei conservatori sempre uguali a sé stessi: “Noi non abbiamo mai messo nulla di diverso nei nostri dischi, solo chitarre e batteria. Non abbiamo mai cercato di espanderci. Altri gruppi suonano la disco o usano sintetizzatori o fanno quella roba alla Bowie, che è disco con un po’ di blues. Lo sapremmo fare, ma non ha niente a che vedere con il rock’n’roll” (Angus).  E anche in un’altra intervista a Ciao 2001 (36) Angus ci scherzava su: “I Rolling Stones sono dei bugiardi, secondo loro abbiamo inciso dieci album tutti uguali.  Non è vero, ne abbiamo registrati solo otto… tutti uguali.”

 

Per gli appassionati di dettagli tecnici, nel corso dell’intervista a Musician Malcolm rivelò anche di aver suonato in tutti gli album, sin dal primo, sempre la stessa e unica chitarra, una Gretsch Firebird, mentre Angus ha utilizzato diversi esemplari di uno stesso modello, la Gibson SGs.

 

Ad agosto furono gli headliner per la seconda volta al Monsters Of Rock di Donington (i primi a bissare questo ruolo). A settembre fecero quella che è forse la loro prima comparsa in Italia per un concerto a Nettuno nell’ambito di una rassegna rock che aveva visto sul palco anche Stevie Wonder e Ultravox, mentre gli AC/DC furono introdotti dai Motley Crue.

 

1985 – Fly On The Wall

 

La reazione degli AC/DC al periodo di crisi, tanto più difficile da affrontare in quanto arrivato inaspettatamente, quando ce la avevano finalmente fatta a raggiungere i vertici, fu l’unica possibile per un gruppo che aveva fatto della logica di clan, con una vena paranoica, la propria forza: si chiusero nel loro guscio e si buttarono a capofitto nella preparazione del nuovo album.

 

Le registrazioni di Fly On The Wall iniziarono nell’ottobre del 1984 ai Mountain Studios di Montreaux e ancora una volta si auto-produssero, scelta discutibile visto il modesto risultato del disco precedente, ma coerente con lo spirito sopra richiamato: “Volevamo guadagnare un po’ di più con questo album, così l’abbiamo di nuovo prodotto da soli, ma mettendo un po’ più di tempo e cervello in ciò che stavamo facendo, invece di registrarci semplicemente e basta.” (Malcolm, 1), ma il nuovo arrivato, Simon Wright, alla prima esperienza in studio di registrazione con gli AC/DC e con uno sguardo evidentemente meno influenzato dalle logiche interne della band, la vedeva diversamente: “Cominciammo a jammare durante le prove e i pezzi hanno cominciato a prendere forma.  E’ nato tutto mentre suonavamo, senza starci a rimuginare troppo, perché non è così che funziona. Loro suonano e basta. Non si fermano ad analizzare le cose, chiedendosi se funzionino o meno.” (2)

 

Su di una cosa Wright aveva sicuramente ragione: gli AC/DC non si facevano condizionare da ragionamenti commerciali e non adattavano il loro modo di suonare ai mutamenti delle mode. Tetragoni a qualsiasi pressione, forse incapaci di fare altrimenti, andavano dritti per la loro strada e se i tempi non erano recettivi per la loro musica, peggio per i tempi: loro avrebbero atteso che tornasse il loro turno. Concetto espresso da Angus in un’intervista al Ciao 2001 del 1985: “Sono il responsabile del suono impostato sulla chitarra di Fly. Noi non facciamo musica per far piacere ai discografici, loro non comprano i nostri dischi: sono i kids le persone a cui pensiamo. Loro vogliono sentire un prodotto AC/DC e noi glielo diamo. E poi che disco sarebbe se non suonasse alla AC/DC? Noi non sembriamo nessuna altra band e non usiamo tastiere di riempimento o chitarre acustiche. Io non riuscirei ad imitare lo stile di Eric Clapton o quello di Jimmy Page, suono come Angus Young e cerco di farlo il meglio possibile.” (43)

 

Fly On The Wall uscì il 28 giugno 1985 con una copertina disegnata da Todd Schorr, un artista pop.

 

Il disco segnava una sia pur timida ripresa rispetto alla precedente opaca prova, anche se nessuno dei brani inclusi nella raccolta era destinato ad entrare nel novero dei classici degli australiani: la title track, per esempio, è piuttosto anonima, mentre Shake Your Foundations mostra una buona capacità di coniugare melodia ed energia; First Blood è anch’essa buona,  grazie soprattutto al vertiginoso assolo di Angus; Danger si muove su cadenze inusuali, con una lunga sospensione ritmica di Malcolm che si apre sul ritornello; Stand Up è poco più che un ritornello corale, ma alla fine resta nelle orecchie, così come Hell Or High Water: canzoni senza alcuna personalità, ma che spingono comunque a muoversi e si fanno cantare in coro; appena un po’ più originale Send For The Man. Non a caso nessuna delle canzoni incluse nel disco compare nella classifica delle prime trenta degli AC/DC compilata da Classic Rock (94).

 

Il riscontro della critica, seppur con alti e bassi, fu migliore rispetto a Flick Of The Switch, che aveva un po’ appannato l’immagine del gruppo.

 

Aldo Bagli su Ciao 2001: “Rispetto alle precedenti prove questo nuovo album si fa notare per uno spiccato (ma non del tutto inedito) gusto per il dark: gli stessi suoni delle due chitarre (in mente gli Stones, non i Led Zeppelin) hanno qui inediti toni oscuri, anche quando i temi trattati come Playing With The Girl richiederebbero forse una maggiore spensieratezza.” (41)

 

Pierfrancesco Atzori su Rockstar: “Flick Of The Switch ha costituito l’episodio finale di una caduta a capofitto nel ridicolo. Il recente Fly On The Wall cerca di recuperare il terreno perduto e lo fa con una certa convinzione. (…) Malcolm Young, il vero cervello pensante della band, deve aver capito la necessità impellente di uscire da schemi ormai soffocanti. Sink The Pink, con la sua melodia frastagliata che non si esaurisce nel canonico inciso centrale, è un perfetto esempio di quanto detto. Shake Your Foundations e Back In Business si muovono su binari più tradizionali, eppure anche qui si percepisce fra le righe un discorso diverso.” (42, voto ***)

 

Si fa un po’ prendere la mano Rupert su FareMusica: “Fly On The Wall è il miglior album degli AC/DC da tempo immemore! Bisogna ritornare a quando c’era ancora il compianto Bon Scott (vedi Highway To Hell), per ritrovare un livello di compatta tonitruanza tale quale erompe da questi solchi. (…) Evidentemente Brian aveva bisogno di una maturazione che è stata lenta ma costante e che, finalmente, è arrivata ad ultimarsi in questo armageddon implacabile. Dalla title track a First Blood, da Stand Up a Back In Business è tutto un uragano di turbolenze sonore e tonsillari che straripa, senza pietà, da una vera e propria pietra miliare dell’hard rock. Fly On The Wall: un efferato punto di riferimento per le generazioni di rockers presenti e future.” (44)

 

Se Ken Mc Intyre, che scrive molti anni dopo su Classic Rock, rappresenta le generazioni di rockers future, il giudizio di Rupert suona avventato: “Sfortunatamente Fly On The Wall è insulso dall’inizio alla fine. (…) La produzione è spaventata ed esile. Le parti vocali di Johnson sono particolarmente maltrattate, tanto affondate nella musica da far pensare che stesse gridando da dentro il bagno mentre qualcuno gli teneva un panno caldo contro il viso. Caritatevolmente, si potrebbe dire che Sink The Pink e Shake Your Foundation rendevano bene dal vivo, ma nessuna delle due è rimasta nelle loro scalette per trent’anni. Danger è comodamente tra le canzoni più sventuratamente pigre che gli AC/DC abbiano mai concepito, ed è stata pubblicata come singolo di punta. (…) Anche le recensioni furono negative. Mentre Flick Of The Switch avrebbe potuto essere interpretato come un colpo sbagliato con le migliori intenzioni, questo disco era semplicemente imbarazzante.” (96)

 

Sebbene le critiche, almeno quelle dell’epoca, fossero state migliori del solito, Fly On The Wall vendette poco (mezzo milione di copie), la metà delle già poche vendute da Flick Of The Switch.  Per fare un esempio, in Francia, dove Back In Black aveva venduto un milione di copie, Fly On The Wall si fermò a 70 mila...

 

Più che per le proprie imprese musicali, in quell’anno gli AC/DC assursero all’onore delle cronache per vicende criminali, pubblicità della quale è presumibile che avrebbero fatto volentieri a meno. Il 31 agosto, infatti, fu arrestato un serial killer in California, Richard Ramirez, il quale al momento dell’arresto indossava una loro maglietta, aveva lasciato un cappellino con il loro brand sul cadavere di una delle sue sedici vittime (secondo (3) fu solo trovato un loro cappellino in casa sua) e, come se non bastasse, dichiarò di aver tratto ispirazione da Highway To Hell e in particolare dalla canzone Night Prowler.  Questo rinfocolò le accuse di satanismo che inseguivano gli AC/DC sin dai primi anni ottanta, con tanto di proteste delle associazioni cattoliche ai loro concerti (arrivarono ad interpretare il loro nome come acronimo di Anti-Christ / Devil’s Child, una bella fantasia…): “Non siamo satanisti e non facciamo magia nera. Non bevo sangue. Al massimo posso mettermi biancheria nera, e questo è tutto.” (Angus a Creem, (1)); e Malcolm a Kerrang: “Non riescono a capire che Night Prowler parla soltanto di entrare di soppiatto in camera di un paio di ex- ragazze e dargli una bella ripassata.” (difesa che letta oggi appare un salto dalla padella alla brace, ma negli anni ottanta, tre decenni prima dell’avvento del movimento Me Too, la sensibilità al riguardo era colpevolmente bassa... (3))

 

La vicenda ebbe grande eco negli USA, suscitando la reazione del Parental Music Resource Center, un’associazione volta alla protezione dei minori diretta da Susan Baker, moglie del segretario di stato James Baker, e da Tipper Gore, moglie dell’allora senatore del Tennessee e successivamente candidato alle presidenziali, Al Gore.  Il loro tour ne risentì molto, tra cancellazioni di concerti minacciate o attuate e altre forme di ostilità (a Springfield, dopo vari inutili tentativi di cancellazione del concerto, nessun albergo li accolse e furono costretti ad andare a dormire a 150 km di distanza, a St. Louis).

 

E’ naturalmente una tragedia che menti deboli possano spingersi ad azioni criminali affascinati da quelli che, almeno nel caso degli AC/DC, sono meri apparati scenici, superficialmente adottati per assonanza con un sound che sicuramente è più collegabile a contesti infernali che alla quiete che si suppone regni in paradiso.  Questo dovrebbe portare a riflettere sulle responsabilità che gravano su chi abbia modo di parlare a intere generazioni e sulla attenzione che bisognerebbe esercitare riguardo ai contenuti dei messaggi che vengono, talvolta con troppa leggerezza, diffusi. Ma questo è un argomento forse troppo impegnativo per un blog che ha l’unica ambizione di raccontare storie di musica, e quindi chiudiamo questo capitolo riportando il discorso sulla musica, con una dichiarazione di Angus in un’intervista al Ciao 2001 del 1985 (45), nella quale, una volta di più, traccia un netto confine tra l’heavy metal e la loro musica: “La vocalità naturale di Bon, ed ora quella di Brian, non hanno fatto altro che rendere più ruvide le nostre canzoni, così anche l’uso di una ritmica serrata ed utilizzata in funzione dinamica. Però, anche se l’effetto può apparire pesante, il nostro è solo rock’n’roll. A noi non è mai piaciuto molto l’heavy metal. Cerchiamo di essere semplici ed efficaci, ma anche raffinati. Certo, sul palco spariamo forte, ma il nostro non è mai un wall of sound. Per questo ci mettiamo tanto a concepire i nostri lavori.”

 

1986 – Who Made Who

 

A pagare lo scadente periodo di forma degli AC/DC è, ancora una volta, il manager (la metafora calcistica è sempre più calzante): Malcolm licenzia Ian Jeffery e lo sostituisce con Stewart Young (non parente), già con Emerson, Lake & Palmer (del periodo d’oro) e dietro il recente successo dei Tears For Fears.  Nonostante la provenienza da mondi musicali non proprio attigui a quelli degli australiani, il nuovo arrivato fa la cosa giusta, in fondo la più semplice: richiama in produzione George Young e Harry Vanda, il modo migliore per interrompere il fallimentare esperimento autarchico voluto da Malcolm con una soluzione comunque gradita e familiare, nel vero senso della parola, per i fratelli Young.

 

L’occasione non è un vero nuovo disco del gruppo.  Era accaduto che durante il tour promozionale di Fly On The Wall erano contattati da Stephen King che gli chiese di usare dei loro pezzi per la colonna sonora di Maximum Overdrive (in Italia “Brivido”), primo film in cui King si cimentava come regista, tratto dal suo racconto Camion, pubblicato sulla raccolta A Volte Ritornano.  Gli AC/DC scrissero una sola vera canzone per il film, Who Made Who, che però era di gran lunga la cosa migliore che gli AC/DC avessero partorito dai tempi di Back In Black e che, infatti, divenne rapidamente uno dei loro pezzi più popolari.  Per il resto l’album, che sostanzialmente era la colonna sonora di Maximum Overdrive ma che fu intitolato Who Made Who, registrato in sole due settimane, conteneva solo altri due inediti (gli strumentali D.T. e Chase The Ace) e sei brani già pubblicati in precedenza, uno dei quali, Shake Your Foundations, in versione remixata.

 

Who Made Who fu senz’altro un’operazione bislacca, come giustamente fece notare Maurizio Becker sul Mucchio Selvaggio (50): “Who Made Who è un album che riesce difficile consigliare. Non perché sia brutto, piuttosto perché non ha una funzione precisa: non è il nuovo AC/DC, dato che di canzoni inedite ne sono presenti solamente tre, ma non può nemmeno valere come antologia, causa l’ovvia esclusione di tantissimi episodi che sarebbero necessari per farsi un’idea dell’attività del gruppo. Probabilmente la scelta dei pezzi è stata condizionata dalle sequenze del film di King, e così, accanto alle classicissime Hell’s Bells, For Those About To Rock, You Shook Me All Night Long, troviamo episodi chiaramente minori come Shakin Foundations e Sink The Pink; fra gli inediti salta all’occhio la esilarante title track, essendo gli altri due hard live strumentali buoni senza dubbio, ma meglio godibili in accoppiata con le immagini. Discorso a parte va fatto per l’intelligente repechage di un lontano gioiello, tanto atipico nell’ambito della discografia AC/DC quanto affascinante: parlo di Ride On (1976), uno struggente blues in cui Bon Scott, cantando ‘uno di questi giorni cambierò la mia vita sregolata’ fu purtroppo cattivo profeta di sé stesso.”

 

Pur tuttavia l’importanza del disco nella carriera degli AC/DC è superiore alla sua qualità intrinseca; forse in quel momento non avevano le forze o la fiducia necessaria per affrontare la pubblicazione di un lp, ma mettere insieme un nuovo brano finalmente all’altezza della loro fama con alcuni storici brani del loro repertorio era un potente modo per ristabilire la posizione degli AC/DC agli occhi dei loro fan e mettere le basi per il lavoro futuro.  Forse proprio per questo il disco ebbe molto più successo rispetto agli ultimi, arrivando al no. 11 in UK e al no. 33 in USA.  Al contrario il film andò malissimo, negli USA incassò la miseria di 7,5 milioni di dollari.

 

Ken Mc Intyre su Classic Rock lo ricorda così: “Maximum Overdrive non era un capolavoro, ma rivitalizzò la carriera degli AC/DC. Who Made Who era la colonna sonora di uno stupido film horror, ma è anche una compilation di brani classici degli AC/DC, perfetto per allevare una nuova generazione di eroi e perdenti teenager a base di semplici e piacevoli riff.  E’ difficile descriverlo altrimenti che come un’antologia monca, visto che contiene brani cruciali da Back In Black (Hells Bells, Shook…), For Those About To Rock (la title track), Dirty Deeds (Ride On, ok, scelta eccentrica, ma comunque…) e, ehm, Fly On The Wall. Who Made Who – la canzone - funzionava su diversi livelli. All’apparenza è semplicemente un classico riff’n’roll alla AC/DC, naturalmente duro e smargiasso. Ma il testo non soltanto rappresenta il tema uomo-contro-la-macchina, ma anche la statura rock’n’roll della band in quel particolare torno di tempo. La canzone fu un discreto e sorprendente successo e quando la gente si rese conto che la colonna sonora era anche una compilation di successi degli AC/DC, volò via dagli scaffali dritto verso il platino, cinque volte alla fine.” (97)

 

A supporto dell’album uscì anche un DVD dallo stesso titolo contenente alcuni brani filmati (male) dal vivo e dei video di non eccelsa fattura per un totale di soli 24 minuti (71).

 

Nel tour che seguì Who Made Who era la canzone di apertura dei concerti; lanciarono anche un memorabile concorso tra i loro fan e i vincitori vennero vestiti con l’uniforme da scolaretto di Angus e portati sul palco a precedere l’arrivo del vero Angus (un’idea che riprende la analoga coreografia del primo vero video da loro realizzato in MTV style, con David Mallet, che aveva fatto dei pregevoli lavori con Bowie): non sorprendentemente molti dei finti Angus si rivelarono restii a lasciare il palco quando avrebbero dovuto e furono portati via a forza…

 

1988 – Blow Up Your Video

 

Quando gli AC/DC fecero il loro ingresso nei Miraval Studios di Le Val, in Francia, per registrare Blow Up Your Video, agosto 1987, erano trascorsi due anni dalla pubblicazione del loro ultimo vero disco, e si sarebbe arrivati vicini ai tre prima che l’album uscisse, nel gennaio del 1988. Una distanza inusuale per un gruppo che aveva in precedenza sfornato, con discreta puntualità, un lp all’anno, ma che di lì innanzi si sarebbe ulteriormente dilatata, con lunghe attese da un lavoro all’altro.  Anche per questo, ma non solo per questo, Who Made Who fu il vero spartiacque tra la prima e la seconda parte della carriera degli AC/DC: dopo aver toccato le stelle con Highway To Hell e Back In Black ed essere precipitati nelle stalle con Flick Of The Switch e Fly On The Wall, con Blow Up Your Video gli AC/DC cominciarono la risalita che, anche se non avrebbero più raggiunto le vette dei due capolavori (almeno fino ad oggi, mai dire mai...), li avrebbe riportati su ottimi livelli.

 

Intendiamoci, Blow Up Your Video è un disco poco più che sufficiente, ma è connotato da una solidità che era andata persa nelle ultime fatiche del gruppo.  Così come per Who Made Who, i fratelli Young si affidano alle familiari mani di George Young e Harry Vanda per la produzione.  Furono registrate 19 canzoni, ma solo dieci furono poi pubblicate sul disco.  Per la promozione furono realizzati tre video, sempre con la regia di Mallet.  Come apripista fu pubblicato il singolo Heatseeker, il 4 gennaio 1988; l’album seguì due settimane dopo.

 

Il titolo dell’album fu spiegato così da Malcolm ad una tv giapponese: “Vuole essere un commento ad una generazione di appassionati di rock incollata a MTV: l’idea è di tirare i ragazzi fuori di casa. Non guardate la tv, venite a vederci in carne e ossa.” (98)  Battaglia persa, Malcolm, stavano per arrivare telefonini e social...

 

Brian Johnson invece si soffermò sui brani del disco: “La mia canzone preferita in questo album è That’s The Way I Wanna Rock. Non è particolarmente intelligente, ma è semplice e va dritta al punto. Credo che Heatseeker, Meanstreak, This Means War siano ottime. Le mie preferite sono comunque This Means War, appunto, e Two’s Up. Quest’ultima non è forse la canzone più bella dell’album, ma è la mia preferita per le parole, ne sono molto orgoglioso.” (52)

 

Heatseeker è un buon brano, ma sembra imparentato con quelli comparsi negli ultimi due dischi, bollente ma abbastanza convenzionale. Ben equilibrata That’s The Way e in Meanstreak il gioco ancora funziona, anche grazie al cambio di ritmo, ora più sincopato, ed agli assoli di Angus (molto meno visibile del solito nei primi due brani), ma la qualità compositiva è modesta. La meno nota Nick Of Time è una bella fiammata in apertura del secondo lato, tirata e senza grasso sui fianchi; Ruff Stuff appartiene a quello che io definisco il repertorio americano degli AC/DC, con il più classico dei riff di chitarra e un’ottima energia, che si ritrova anche in Two’s Up, più articolata delle ultime canzoni del gruppo, di pregevole fattura.

 

Come è normale che accada (in fondo le recensioni sono opinioni e la materia artistica in generale non si presta alle certezze), ma accade con notevole frequenza con gli AC/DC, le reazioni della critica spaziano dalle semi-stroncature alle semi-esaltazioni.  Vediamone alcune.

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